Top 10 des natures mortes les plus célèbres et les plus belles au monde

Cette direction des beaux-arts a été pointée du doigt au XIXème siècle en Hollande. Bien sûr, les artistes ont déjà peint des objets inanimés, mais ils faisaient généralement partie de la composition.

En Russie, le genre de la nature morte a été reconnu bien plus tard (au XVIe siècle). Pendant longtemps, il a été considéré comme inférieur, perçu comme une production de formation. Cependant, même maintenant, pour la plupart des gens, les natures mortes sont une forme d'art dénuée de sens, banale et sans intérêt.

Les artistes représentent des fruits, des bougies, des fleurs, de la nourriture et d'autres objets, mais ces peintures n'ont-elles pas de sens ? Au contraire, il est caché si profondément que tous les connaisseurs d'art ne pourront pas le trouver. Lors de la création de natures mortes, des symboles et des images sont utilisés, chacun d'eux est identifié avec diverses situations et phénomènes de la vie, des sentiments et des émotions.

En quatre siècles, un grand nombre de peintures de ce genre ont été créées, mais parmi elles, on distingue les natures mortes les plus célèbres.

10 "Lilas", Piotr Konchalovsky

Image "lilas" situé dans le Musée d'art letton (Riga). Créé en 1951. Ce n'est pas la seule image des belles fleurs de l'arbuste. Piotr Konchalovsky était fan de la plante, on l'appelait même le « chanteur lilas ». Tout au long de sa vie, il a peint plus de 40 belles natures mortes avec un thème similaire.

Dans cette version, les branches de lilas sont dans un pot ordinaire sur une table sale et rugueuse. Contraste. L'œuvre a été créée au début des répressions staliniennes. Konchalovsky a compris que l'injustice régnait dans le pays. Mais les fleurs ont fleuri et il semble que la toile ait sa propre odeur - le printemps et l'espoir du meilleur. Contre toute attente.

9. "Bouquet finlandais", Boris Kustodiev

Nature morte aux fleurs de 1917, conservée au Musée d'État de la ville d'Arkhangelsk. Boris Koustodiev était un portraitiste de talent, et "Bouquet finlandais" appartient à la période Vyborg. À cette époque, l'artiste était en rééducation après une opération. Le tableau a été peint dans un sanatorium. Il représente des plantes ordinaires : camomille, chardon, fougère. Le dessin est simple et simple, il plaît à l'œil. Quand on voit la photo, on comprend que le bonheur est banal. La beauté est proche, et pour la vraie joie, vous avez besoin de très peu.

8. Rideau, cruche et coupe de fruits de Paul Cezanne

"Rideau, pichet et coupe de fruits" – l'une des peintures les plus célèbres et les plus belles du genre nature morte. Créé à la fin des années 90 du XIXème siècle. En 1999, il a été vendu aux enchères pour un prix record de 60 millions de dollars.

En effet, vous ne pouvez pas passer à côté de cette photo. Il attire visuellement avec ses parties déséquilibrées. Les couleurs contrastent : la froideur de la cruche et la chaleur du fruit. Grâce à de subtiles transitions de couleurs, Cézanne réussi à reproduire des objets en trois dimensions, en trois dimensions.

7. "Nature morte", Kazimir Malevitch

L'image a été créée en 1910. Situé dans le Musée d'État russe. Malevich l'a écrit pendant la période des recherches créatives. Il se sent réformateur, combat le réalisme et considère le classicisme comme un phénomène devenu obsolète. beaucoup de ses "Nature morte" semble inhabituel: comme s'il s'agissait d'un dessin incompétent d'un enfant et non d'un artiste expérimenté.

Au centre de l'œuvre se trouve un vase blanc avec des fruits dont certains sont sur la table. Le tableau est hétérogène. Ses pièces appartiennent à des styles différents. Avec cette belle œuvre, Malevitch a voulu montrer que la réalité est secondaire (par rapport à la forme picturale). Même ici, on peut remarquer une caractéristique distinctive inhérente à de nombreuses œuvres de Kazimir Severinovich - l'utilisation de couleurs vives, qui sont devenues un symbole de l'énergie irrépressible de l'artiste.

6. « Nature morte au crâne et à la plume » de Pieter Claesz

"Nature morte au crâne et à la plume" visible au Metropolitan Museum of Art (New York). Il a été créé en 1628. Appartient au genre des vanités (natures mortes dédiées à la mort).

L'image est belle, mais effrayante. Un crâne, un verre renversé, une lampe à huile éteinte - tous ces éléments sont des symboles de la fugacité de la vie. Une différence frappante entre ce tableau et beaucoup d'autres réalisés dans un genre similaire est la palette limitée. Claes utilise plusieurs couleurs et leurs nuances, ce qui accentue le sérieux et la morosité de la composition. Chaque contemplateur de l'image comprend que la vie finira un jour, la connaissance et le vin sont impuissants - rien n'aidera une personne à gagner l'éternité...

5. "Vase de fleurs", Pierre-Auguste Renoir

Le tableau est conservé au célèbre Cambridge Museum of Art. Renoir spécialisé dans les portraits et les scènes de genre. Les fleurs étaient pour lui un divertissement, une détente. Il existe une version selon laquelle l'artiste a créé de telles peintures dans le but de gagner de l'argent, car elles se sont bien vendues.

"Vase à fleurs" écrit en 1866. Le bouquet de jardin habituel, qui comprenait les plantes les plus courantes. Les couleurs sont vives. L'émeute des couleurs devient un rappel de la beauté et de l'abondance de la nature. L'association des couleurs est classique, correcte. L'harmonie et la paix sont le message principal de cette image.

4. "Des pommes et des feuilles", Ilya Repin

Toile "Pommes et feuilles" situé dans le Musée russe (Saint-Pétersbourg). Ilya Efimovich l'a créé en 1879. À première vue, l'image peut sembler trop simple et simple: des pommes sur fond de feuilles. C'est juste que la composition est faite de manière si magistrale qu'il y a une sensation de réalisme. L'image est volumineuse et comme remplie d'air, les moindres détails sont soigneusement dessinés. Elle est lumineuse et expressive.

L'œuvre a été créée Re-épingler au sommet de sa popularité. À ce moment de sa vie, il se débrouillait bien tant dans sa carrière que dans sa vie personnelle. De telles circonstances ne pouvaient qu'affecter l'humeur de l'artiste. Il n'est pas surprenant qu'en contemplant la toile, des émotions et des sentiments favorables surgissent.

3. Corbeille de fruits de Michel-Ange Caravage

"Corbeille de fruits" Créé en 1596, conservé à la Bibliothèque Ambrosienne (Milan). Certains historiens de l'art croient Michel-Ange fondateur du genre nature morte.

L'image est la plus naturaliste possible : le panier est sur le bord de la table, il est rempli de fruits. Les fruits ont été cueillis avec les feuilles et les premiers signes de flétrissement sont déjà visibles. L'absence de vie de la composition accentue le ton - un minimum de détails.

Avec cette image, le Caravage a voulu montrer le passage du temps. La fraîcheur luxuriante est remplacée par la décomposition et la mort, l'inévitabilité.

2. Cerise des oiseaux dans un verre, Kuzma Petrov-Vodkin

L'une des peintures les plus célèbres de l'artiste soviétique. Créé en 1932. "Cerisier des oiseaux dans un verre" situé dans le Musée d'État russe de Saint-Pétersbourg.

Une branche de cerisier des oiseaux est entourée d'objets dispersés au hasard. Les choses n'ont pas de lien visible les unes avec les autres, mais l'image semble harmonieuse. Il existe une version selon laquelle un ensemble d'objets sans prétention personnifie la sévérité de la période historique au cours de laquelle le tableau a été peint. Petrov-Vodkine.

1. Tournesols dans un vase jaune, Van Gogh

Van Gogh considéré comme un maître de la nature morte. L'artiste a créé toute une série de peintures consacrées aux tournesols. La toile qui nous intéresse a été créée en 1888. Située à la London National Gallery.

Dans la photo « Tournesols dans un vase jaune » un vase rustique rugueux est représenté. Il est de petite taille et il n'y a pas assez d'espace pour les tournesols, mais pas seulement dans un vase, dans l'espace. Rien d'inhabituel : la beauté naturelle des couleurs et la luminosité des couleurs. Pour Van Gogh, le jaune était associé à l'espoir et à l'amitié, et le tournesol était pour lui un symbole de gratitude.

De quoi parle cette image ? A propos d'une vie belle et tragique. Fleurs, animaux, personnes - tous les êtres vivants disparaissent un jour. Dois-je être contrarié à ce sujet? Chaque personne a sa propre réponse à cette question, mais il n'est pas nécessaire de passer de précieuses minutes et des heures à s'inquiéter. Rien ni personne ne peut arrêter le temps.