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Paul Gauguin (1848-1903) est né à Paris, où il se marie et devient courtier. Mais la vie d'une personne «ordinaire», il n'a pas vécu longtemps. Soudain, sans raison apparente, il a pris un pinceau et a commencé à peindre, et à la fin sa nature créative s'est pleinement manifestée.
Paul Gauguin a quitté son emploi, a quitté sa femme et est allé en Haïti, où il a commencé à créer des œuvres d'art. Bien que les contemporains n'aient pas pris son travail au sérieux, et que les critiques et les journalistes l'aient même ridiculisé, il a continué à travailler.
Paul Gauguin, au début de son parcours, a travaillé au pouvoir de l'impressionnisme, puis est passé au synthétisme et au cloisonisme. Dans les peintures célèbres, peintes en Haïti, l'artiste utilise des couleurs pures et très vives, et ses héroïnes sont des filles à moitié nues qui se trouvent sous les tropiques.
Paul Gauguin a beaucoup de tableaux dont j'aimerais parler pendant des heures, mais pour l'instant jetons un coup d'œil aux plus célèbres ?
10 Arbre dans la cour de la ferme (1874)
L'oeuvre "Arbre dans la basse-cour" de Paul Gauguin en 1874, son style est désigné comme l'impressionnisme (celui dans lequel l'artiste a travaillé dans ses premières années). La toile représente l'été : presque tout le ciel est « couvert » de nuages et il semble qu'il va bientôt pleuvoir.
L'impressionnisme s'apparente au tremblement des feuilles, au souffle du vent, à l'éclat des rayons du soleil sur la surface de la mer… L'essence même de la direction que Paul Gauguin a choisie est de refléter la réalité changeante qui l'entoure.
L'artiste a voulu « faire revivre » ses œuvres, les imprégner d'une réalité changeante. Il faut dire que dans le tableau "Un arbre dans la cour de la ferme", le célèbre artiste a réussi.
9. Sous les manguiers en Martinique (1887)
Paul Gauguin avait une soif d'exotisme depuis son enfance et considérait la civilisation comme une « maladie ». En 1891, après avoir quitté sa femme, il se rendit en Haïti, où il écrivit les meilleures œuvres.
« Sous les manguiers en Martinique » a été écrit spontanément. En 1887, l'artiste a des problèmes d'argent, il doit donc partir en Amérique pour travailler.
De retour, le célèbre artiste a remarqué Martinka et n'a pas pu résister au charme de l'île. Sans la décision de Paul Gauguin de s'arrêter sur cette île, une série d'œuvres étonnantes n'aurait pas vu le jour !
Pendant 4 mois sur cette île, il a créé 12 tableaux. Une attention particulière dans le tableau "Sous les manguiers en Martinique" est attirée par une bande bleue au loin - cette couleur symbolise le calme et la tranquillité.
8. Êtes-vous jaloux? (1892)
Les peintures créées en Océanie portent l'esprit d'un monde esthétique inconnu, mais séduisant pour le spectateur.. Gauguin a très habilement transmis sur ses toiles le sentiment du paradis et du peuple entier. Ils sont beaux, sains et vivent en harmonie avec la nature.
L'exposition de 1893, à laquelle le tableau « Êtes-vous jaloux ? a été présenté au public, ne l'a fait que rire. Gauguin a été accusé de barbarie et d'anarchisme, mais l'artiste n'a essayé d'être le plus sincère que possible dans son activité artistique, quand d'autres ont abandonné ce qu'ils avaient commencé.
L'image transmet parfaitement le bonheur et la paix que les femmes tahitiennes ont. "Tu es jaloux ?" a été écrit lors du premier séjour de Gauguin à Tahiti, en 1982.
7. Les Misérables (1888)
Autoportrait dédié à Vincent van Gogh (1853-1890), peint par Paul Gauguin peu avant son arrivée à Arles, est une sorte de jeu-concours entre artistes. Paul Gauguin renvoie le spectateur à Jean Valjean, le héros du roman de Victor Hugo (1802-1885), ancien forçat.
Comme vous pouvez déjà le deviner, son destin n'est pas facile… Paul Gauguin aimait à se présenter comme un rebelle passionné qui ne trouvait pas sa place dans la société de la bourgeoisie. Pour renforcer l'effet, il a déplacé son visage du centre de l'image vers la gauche, enjambant toutes les traditions de la peinture.
De plus, une partie du visage est à l'ombre, tandis que l'autre est éclairée par le soleil. Pour référence : dans cette technique d'exécution de l'autoportrait, la double nature de Paul Gauguin se lit. Il voulait probablement en parler lui-même.
6. Jour de la Divinité (1894)
Paul Gauguin a peint Le jour de la divinité en 1984, maintenant à l'Art Institute of Chicago.. Voici des sources d'inspiration évidentes pour l'artiste. Les femmes tahitiennes sont vêtues de blanc - leurs tenues ressemblent à des figures de danse égyptiennes. Ils semblent flotter dans les airs !
Et la divinité taaroa (la partie centrale de l'image) est représentée exactement selon les mythes qui intéressaient Gauguin. Les trois figures nues semblent symboliser la création, et les poses parlent de l'énergie divine écrasante de la divinité derrière elles.
L'eau est également attrayante sur la photo - elle est remplie de formes amibiennes. Il est tout à fait possible qu'il ne s'agisse que de formulaires conçus pour remplir l'image d'une certaine humeur.
5. Poires et raisins (1872)
Nature morte "Poires et raisins" - c'est la première des œuvres de Paul Gauguin dans la collection de l'artiste français. Les chercheurs ont trouvé dans cet ouvrage les traits caractéristiques de l'impressionnisme, ainsi que l'expression idéale de la plasticité et de la décoration.
La toile représente un motif extrêmement simple : des fruits sur la table. Les poires brillent et les raisins sont juteux et mûrs. On sent que l'espace entourant le fruit est rempli de lumière – il « respire », brille !
L'ensemble de la composition est imprégné d'un caillot de milieu en apesanteur. L'artiste a peint ce tableau dans l'esprit de l'impressionnisme, qui lui était très proche.
4. Vision après le Sermon (1888)
Après avoir déménagé dans la province française et y avoir passé quelque temps, Paul Gauguin a fait valoir que la population locale est naturelle et plus sincère, ce qui ne peut être dit des habitants de la capitale. L'atmosphère bretonne mesurée est devenue l'inspiration pour écrire La vision après le sermon..
L'œuvre se distingue par sa composition inhabituelle, elle est visuellement divisée en 2 parties : un monde imaginaire et un monde réel. Gauguin représente sur la toile des personnes en train de prier sur un fond montrant une scène imaginaire - Jacob aux prises avec un ange. La toile est divisée en 2 parties par le bois : elle est dominée par des couleurs profondes et riches.
Pour référence : Paul Gauguin a emprunté l'effet de séparation aux dessins japonais, qui l'ont également inspiré pour créer des figures en train de lutter.
3. Paysannes bretonnes (1886)
Sur la toile de Paul Gauguin, on voit 4 paysannes bretonnes vêtues de costumes clairs.. Ils parlent debout contre le mur, et en arrière-plan on peut voir un fermier marcher dans l'autre sens.
Il n'y a pas d'horizon dans l'image – cet effet est ressenti à cause de la femme de droite – elle est debout, la tête baissée. Les traits avec lesquels l'artiste dessine sont libres, mais les lignes principales sont compressées, séparant les formes et augmentant les couleurs riches.
De plus, les cols blancs des femmes, suspendus librement dans toutes les directions, servent de points d'accentuation.
2. Joie (1892)
Cette photo est l'imaginaire d'Haïti de l'auteur. Il l'a vu comme ça. Avec une autre fille, Tehomana est assis près d'un arbre et regarde d'un air mélancolique. La jeune fille joue de la flûte, ce qui crée l'effet de sérénité.
En arrière-plan, un homme fait ses offrandes, évidemment c'est un croyant. Mais ce qui ressort le plus, c'est la couleur. Le tableau "Joie" de Gauguin est absolument harmonieux.
Paul Gauguin a commenté son travail comme une musique qu'il a créée avec des couleurs et des lignes. L'artiste s'est inspiré de la nature, riche en couleurs et en formes.
1. Bel ange (1889)
Femme sur toile – Maria Angelica Star, épouse du major, pour lequel Gauguin a choisi un fond bleu, et l'a tracé autour. Cela ressemble à une image dans un miroir. À gauche de la femme se trouve une momie péruvienne, faisant partie de la collection de la mère de Paul Gauguin.
Les vêtements d'Angelica créent un sentiment d'exotisme, qui trahit également son visage. Van Gogh remarqua que la femme regardait l'artiste comme une génisse.
A ce commentaire, Maria Angelica a répondu : "Quelle horreur", car tout le monde la considérait comme la plus belle fille de la région. Lorsque Gauguin a terminé l'œuvre et l'a montrée à Marie, elle lui a jeté le portrait au visage.